Entrevista a Spike and The Gimme Gimmes – Noche de fiesta

Pocas bandas han conseguido hacer de las versiones un arte tan particular como Me First And The Gimme Gimmes. Ahora rebautizados como Spike And The Gimme Gimmes, el grupo vuelve con Shit The Bed. Hablamos con su cantante Spike Lawson antes de su extensa gira por España. 

Con tres décadas de trayectoria a sus espaldas, los Gimme Gimmes han sufrido numerosos cambios de formación, pero su concepto sigue siendo el mismo: transformar grandes éxitos del pop, el country, el soul o cualquier otro género en canciones punk. En Shit The Bed (Fat Wreck Chords), publicado el pasado 23 de octubre, Spike Lawson y sus compañeros vuelven a hacer de las suyas con temas tan dispares como ‘It’s Raining Men’, ‘Hey Ya!’, ‘Kokomo’ o ‘We Are The World’, que retuercen a su antojo mezclándolos con clásicos del punk rock. Para esta nueva etapa, el vocalista cuenta con una formación integrada por CJ Ramone, Pinch (The Damned), John Reis (Rocket From The Crypt) y Jake Kiley (Strung Out).

La banda iniciará el viernes en Vitoria-Gasteiz (Jimmy Jazz) una larga gira que pasará el 14 por Oviedo (Sala Estilo), el 15 por A Coruña (Inn Club), el 16 por Lisboa (RCA Club), el 18 por Murcia (Garaje Beat Club), el 19 por Valencia (Rock City), el 20 por Madrid (Sala Copérnico) y el 21 por Barcelona (Paral·lel 62).

Aprovechamos su regreso para charlar con un Spike especialmente locuaz, que no solo nos explica los entresijos del nuevo disco, sino que también reflexiona sobre el papel de la crítica, la cultura basura, el legado del punk y la absurda necesidad de convertir el rock and roll en algo respetable. Una conversación tan imprevisible como sus conciertos.

Para empezar, me gustaría saber por qué habéis pasado de llamaros Me First And The Gimme Gimmes a Spike And The Gimme Gimmes y cómo gestionáis los cambios de formación.
SPIKE LAWSON “Spike And The Gimme Gimmes es un nombre que suena bien, ¿verdad? ¡Suena genial! Tiene una musicalidad estupenda. Así que supongo que los motivos del cambio de nombre serían la honestidad publicitaria y el ego (risas). Y sí, tenemos nuevos miembros y sangre nueva. Los cambios surgen por crisis de personalidad, pasan todo tipo de cosas. La gente está ocupada con sus grupos, entre comillas, serios y tiene que dedicarse a ellos. No diría que lo que hacemos sea fácil, pero existe una fórmula. Somos cuidadosos con la gente con la que contactamos. Imagina que queremos preguntarle a alguien: ‘Oye, ¿quieres tocar la guitarra con los Gimme Gimmes?’. Para cuando hemos valorado los pros y los contras de contactar con una persona determinada, ya sabemos que existe una fórmula bastante evidente. Por eso no creo que Shit The Bed suene necesariamente como nuestros discos anteriores, pero tampoco suena tan diferente. Sigue habiendo algo familiar en el concepto. Y, como he dicho, tampoco es física cuántica, así que prácticamente entiendes cuál es tu papel en cuanto entras en el local de ensayo, en el estudio de grabación o te subes al escenario».

Supongo que los cambios son inevitables cuando todo el mundo tiene sus propias bandas…
«Esa es la cuestión con un supuesto supergrupo: no sería un supergrupo si sus miembros no vinieran de otras bandas más serias, y de vez en cuando tienen que volver a dedicarle todo su tiempo. Así es la vida. Por ejemplo, Jay Bentley. Creo que probablemente pensó: ‘Tío, mi grupo de verdad se está poniendo demasiado serio. Quiero tocar con esta banda de versiones. Tiene que ser bastante fácil, joder’. Durante el primer mes tenía una pequeña chuleta con todos los acordes que tenía que tocar, colocada justo a sus pies. Luego se lo aprendió, memorizó todas las canciones y se dio cuenta de que podía hacerlo y de que era divertido. Pero, al final, su declaración seria y sincera al mundo era, y sigue siendo, Bad Religion. Así que tarde o temprano él y todos los demás tienen que volver a ocuparse de sus asuntos serios. Pero, como dijo Gloria Gaynor, y nosotros incluso lo mejoramos un poquito, ‘I Will Survive’ (risas)”.

«No intentamos ser héroes, ni los héroes de nuestra propia historia, que es una especie de enfermedad que creo que padecen muchos grupos punk desde los 80 y especialmente desde los 90» SPIKE LAWSON

Creo que cuando empezasteis a girar y a venir a España, había gente que se sentía decepcionada porque Fat Mike no estaba, o porque faltaba algún otro miembro. Pero a mí me parecía divertido ir a un concierto sin saber quién iba a estar sobre el escenario.
“¡A mí también! Es bastante estresante meterte en algo así, porque tienes que planificar las giras y las grabaciones con al menos seis meses de antelación. Así que empezar una gira con gente con la que nunca has tocado y con la que quizá solo has ensayado cuatro o cinco horas puede ponerme muy nervioso. Pienso: ‘Hay muchísimas maneras de que esto salga mal’. Pero existe una fórmula, un concepto. Lo único que tiene que hacer un buen músico, con sensibilidad, es encajar en un papel que básicamente ya está definido. No sé si eso responde a tu pregunta. Chris Shiflett fue el primero en marcharse, ¡y consiguió un trabajo muy serio! Empezó a tocar con Foo Fighters, y cuando entras en un grupo de ese nivel, tienen normas sobre cuándo te dejan hacer otras cosas o cómo puedes hacerlas. Porque está la imagen, la imagen que tienes de ti mismo, la imagen pública y todas esas cuestiones. Y luego están las agendas y muchas otras cosas que hay que tener en cuenta. Y Fat Mike también tuvo que volver a sus asuntos serios y salir de gira con su grupo, entre comillas, serio (risas). No puedo decir que no nos diera pena verlos marchar, pero al mismo tiempo era una nueva aventura. Tal como yo lo veo, el concepto es muy parecido al de las propias canciones. Si salimos a tocar temas de Shit The Bed, es diferente de cuando un grupo que toca material original interpreta sus canciones nuevas. Ese es el momento que aprovecha el público para ir al lavabo, buscar una cerveza, salir a fumar un cigarrillo o gritarle al grupo: ‘¡Tocad las canciones antiguas! ¡Dejad de tocar temas nuevos!’. En nuestro caso, las canciones nuevas que vamos a tocar no son desconocidas. Lo único nuevo es cómo vamos a arreglarlas y con qué canción punk vamos a emparejarlas sacrílegamente, haciendo una mezcla de las dos. Hay cierto humor y cierta comedia en eso. Es como los cómicos. Algunos ni siquiera te dejan conservar el móvil cuando entras en el club, porque no quieren que conozcas el chiste. Quieren que lo escuches por primera vez. Espero que esa misma dinámica funcione cuando toquemos, y creo que funcionará, porque ya conoces esas canciones. Ya conoces ‘Kokomo’, para bien o para mal. Mike Love debe de estar revolviéndose en su tumba ahora mismo. Está muerto, ¿verdad?”.

A día de hoy todavía sigue vivo.
“Bueno, en cualquier caso, ¡si estuviera muerto lo estaría haciendo!”.

En otros discos de de los Gimme Gimmes habíais seguido un concepto, como escoger canciones country o de R&B, pero no he sabido verlo en Shit The Bed . ¿Lo hay?
“Bueno, en este disco sentí que, si había algo de lo que quería liberarme, era de la necesidad de ceñirme a una temática concreta. Porque he descubierto que, aunque te gustaría pensar que puedes versionar cualquier cosa, hay menos canciones de las que inicialmente imaginas que encajan con nuestro estilo particular. Y cuando encima impones una temática, acabas persiguiendo esa temática en lugar de buscar las canciones adecuadas. Porque una canción no solo tiene que encajar en el concepto, sino que idealmente también debe ser algo que la gente conozca de antemano. Preferiblemente un gran éxito, si no del Top 10, al menos del Top 100 o algo parecido. Eso reduce mucho las posibilidades. Hay más ciencia que arte en todo esto. Desde luego no es física cuántica, ¡y te aseguro que nosotros no somos científicos! Pero quizá haya más ciencia que arte. Todo tiene que ver con el ritmo, el tempo y el fraseo, porque necesitas tener margen para arrastrar la canción, aunque sea pataleando y gritando, hasta nuestro terreno”.

Explícame un poco el proceso de combinar canciones como ‘We Are The World’ con ‘Br Hymn’ de Pennywise, o ‘Hey Ya!’ de Outkast con ‘Blitzkrieg Bop’ de Ramones. ¿Te pasas las noches escuchándolas e intentando descubrir cómo pueden encajar?
“Sí, de hecho ‘Hey Ya!’ es una de esas canciones sobre las que he reflexionado bastante. Al principio, hasta que la escuché mezclada y masterizada en la grabación definitiva, ni siquiera sabía si me gustaba. Y ahora es una de mis favoritas, porque nunca sabes cómo ni cuándo va a acabar encajando todo. Al oyente le pasará lo mismo. Gran parte de lo que hacemos en directo consiste precisamente en trolear. No intentamos ser héroes, ni los héroes de nuestra propia historia, que es una especie de enfermedad que creo que padecen muchos grupos punk desde los 80 y especialmente desde los 90. Quieren ser muy serios y muy auténticos, llevar bermudas y gorras de Volcom, y subir al escenario con la misma ropa que llevan por la calle. ¡Yo ni siquiera creo que debieras vestir así por la calle, y mucho menos sobre un escenario! Nosotros no somos gente seria y no intentamos transmitir seriedad. Siempre digo que cuando salimos a tocar provocamos a la gente, a menudo hasta el punto de que manifiestan su descontento a gritos o con abucheos. Y he comprobado que cuanto más fuertes son los abucheos, más camisetas acabas vendiendo al final de la noche».

El arte de la provocación…
«Sí. Los cómicos estadounidenses lo entienden instintivamente. Si sigues a algunos de los cómicos más jóvenes, verás que no son tus amigos. Y tampoco quieres que lo sean. Nosotros funcionamos un poco de la misma manera, y también intentamos trasladar eso al estudio de grabación. Así que tocar la introducción de una canción de los Ramones durante tanto tiempo que realmente te entren ganas de cantar la primera estrofa, para luego quitártela de golpe, no es precisamente un gesto amistoso por nuestra parte. Pero creo que sigue siendo efectivo y que a la gente le gusta a un nivel más profundo. Existe una relación extraña entre los intérpretes o artistas y los consumidores o el público. Si rascas un poco a un fan, encontrarás a alguien que quiere destruirte. En el fondo es así. ¿Recuerdas los realities de televisión en su época dorada, durante los 90 y los 2000? Parte del placer de ver a esas celebridades que adorábamos consistía en ver cómo las destrozaban. Y ojo, eso no es lo que intentamos hacer con los Ramones, pero tampoco tengo por qué tomármelos más en serio que cualquier otra cosa».

¿Crees que se ha sacralizado a ciertas bandas?
«Entiendo lo que significan los Ramones para el mundo, para mi vida y para la música que amo. Sin duda forman parte de un legado esencial que nos ha llevado, por desgracia, hasta donde estamos ahora, o hasta donde estábamos en los 90. Pero eso no significa que tenga que ponerme serio con ellos, ni con MC5, los Stooges o los Damned. ¡Ellos no eran serios! Me encantan The Clash, pero, visto con perspectiva, quizá se tomaban las cosas demasiado en serio. Me encanta su música y me encanta su fraseo vocal. Lo que no me gusta tanto es escuchar a hombres blancos de clase media gritando lo injusto que es el mundo. Lo que quiero decir es que no siento la necesidad de ponerme serio con todo eso. Me encantan los Buzzcocks, pero tampoco necesito tomármelos en serio. Ellos no eran serios. Lo que hicieron, su impacto, sí fue serio, pero ellos no. Con el rock and roll ocurrió lo mismo. De repente, lo que en los 60 y los 70 era cultura popular de baja estofa se convirtió en alta cultura. Para mí fue una especie de traición. Convertirlo en alta cultura fue repugnante. De pronto teníamos que tomárnoslo en serio, respetarlo y arrodillarnos ante el puto Jim Morrison, o incluso ante John Lennon o Paul McCartney. Ellos pertenecían a la cultura popular, y precisamente ese era su atractivo. No apelaban al cerebro, sino a algo que está por debajo del cerebro. A mí me encantan las letras de los Beatles y también las de los Stones, y creo que transmitían un mensaje. Pero la razón por la que ese mensaje era tan efectivo es que lo hacían a través de la poesía y conectando con la naturaleza humana, no gritándote consignas políticas”.

Me parece muy interesante lo que dices, pero quizá en cierto modo fue más culpa de los críticos que de los propios artistas. Una vez que los críticos empezaron a escribir sobre rock and roll y a tomárselo en serio, creo que los artistas también empezaron a tomarse demasiado en serio a sí mismos.
“Como aquel tío de la revista Creem. Debía de ser el mayor fan de Lou Reed y, sin embargo, escribió algunas de las peores barbaridades sobre él. Si rascas un poco a un fan, encontrarás a alguien que quiere hacerte pedazos. ¿Cómo demonios se llamaba? ¿Por qué no me sale el nombre ahora? El tipo de la revista Creem, el más famoso. Y ahora está muerto. Murió en los 80 o algo así. En fin, ¿cuál era la pregunta?».

Que si la culpa es de los críticos.
«Bueno, depende. Con los críticos y los periodistas también tienes que tener criterio para decidir a quién escuchas y a quién te tomas en serio, igual que con la música. Pero sin la crítica cinematográfica, por ejemplo, sin Cahiers du Cinéma en los putos años 50, creo que muchos estadounidenses nunca habrían oído hablar del neorrealismo italiano. Y después los directores estadounidenses que recogieron esas influencias, que crecieron viendo el cine italiano de posguerra y la Nouvelle Vague francesa, no las habrían incorporado al lenguaje cinematográfico habitual. Creo que los cineastas estadounidenses de finales de los 60 y principios de los 70, hasta llegar a Tiburón, pero sin incluirla, porque fue el primer gran blockbuster, estuvieron influidos por todo eso. Los críticos ayudaron a moldear nuestra percepción, y creo que de manera acertada, de lo que es el lenguaje cinematográfico y para qué sirve. Así que creo que la crítica es importante, pero también hay gente que, como en cualquier otro ámbito, no vale una mierda”.

Es curiosa tu idea de no elevar intelectualmente a las bandas de rock, pero ¿no sientes que estáis elevando algunas canciones horteras y haciendo que resulten aceptables? ¿Es ese uno de los objetivos del grupo?
“Eso espero. Sí, eso espero. Ese es realmente el objetivo. No sé si es algo que arrastro desde mi infancia, si forma parte del disfraz o si acabo convirtiéndome en el personaje que lleva ese disfraz, pero me transformo en un troll y no soy tu amigo. Estoy aquí para entretenerte, ofenderte de vez en cuando, quizá excitarte, quizá hacer que quieras moverte y chocarte con los demás. Y en el estudio de grabación ocurre lo mismo. Todos, excepto nosotros, son el blanco de la broma. La broma es a tu costa. Y también a costa de los Ramones. Y de Neil Diamond. Y de los Eagles. Nadie se libra. Por cierto, los punks a los que más les gusta nuestro grupo son los de los años 70 y principios de los 80, porque creo que, aunque no toquemos punk exactamente con el mismo estilo, nuestra actitud quizá se parece mucho a lo que ellos intentaban transmitir. No intentaban decir algo que pudieras resumir en una frase. No iba dirigido al cerebro, sino a algo que está por debajo del cerebro. Creo que para eso sirve la música, especialmente el rock and roll. ¿Has visto alguna vez un documental llamado Standing In The Shadows Of Motown?”.

No, no lo he visto.
“Es muy bueno. Por desgracia, hacen que los Funk Brothers salgan a tocar con cantantes nuevos, y la calidad de esas actuaciones es bastante irregular. Esa es una parte de la película. Pero otra parte consiste en entrevistas con los músicos que formaban parte del grupo. Hablan de cuando tocaban para una artista de burlesque llamada Lottie ‘The Body’. Ellos ponían la música para su espectáculo, y la carne de sus piernas se movía al ritmo de la batería. Esa sinergia entre ambas cosas es, para mí, la esencia del rhythm and blues, del rock and roll y de la música pop. Ese tipo de conexión. Sé que puede sonar muy específico en cuanto al género, y no creo que necesariamente tenga que ser así. Me encantan las mujeres baterías, cantantes y artistas. Pero creo que esa química esencial que ocurre por debajo del cerebro es donde está la clave. Y eso incluye al punk, porque incluso después de 50 años, el punk no es más que un pequeño episodio dentro de la historia mucho más importante del rock and roll. ¿Sigue siendo relevante? Te lo pregunto a ti: ¿los valores del punk, la autenticidad y todas esas cosas siguen siendo relevantes?”.

Para las generaciones más jóvenes, dirá que no.
“No, tío. Ya no estamos en la Inglaterra de 1976. No hay huelgas de basureros. Nos enfrentamos a desafíos completamente nuevos. Y no creo que un puñado de hombres blancos de clase media gritando otra vez lo injusto que es el mundo sea una respuesta adecuada a los desafíos sociopolíticos de nuestro tiempo. Eso no significa que esté intentando destruir nada. La música y la cultura punk me salvaron la vida. Puedo decirlo completamente en serio. Pero al mismo tiempo, eso no me obliga a tomármelo todo en serio, ni a tomarme en serio lo que hago yo o lo que hace cualquier otro”.

«Soy estadounidense, tío. Me encanta la basura y somos los mejores haciéndola» SPIKE LAWSON

Me parece interesante cómo distingues entre la alta cultura y la cultura popular. Creo que ocurre lo mismo con el buen gusto y el mal gusto, con lo que está bien y lo que está mal. Algo que antes se consideraba bueno puede acabar considerándose malo en el futuro, o al revés. Por ejemplo, cuando escuché ‘Kokomo’ por primera vez, me pareció una de las peores canciones no solo de los Beach Boys, sino de la historia. Pero después de 20 o 30 años le he cogido cierto cariño. Cuando la escucho ahora, ya no me parece tan mala.
“Bueno, para mí es muy parecido a lo que ocurre con las películas de acción estadounidenses de los años 80 y principios de los 90. Cuando se estrenaban pensabas: ‘¡Dios mío, esta película es ridícula!’. Y en cierto modo también eran bastante tóxicas. Pero luego las ves con perspectiva y esa idea de la masculinidad del hombre blanco estadounidense resulta tan ridícula y absurda que casi se convierte en una obra de arte. Como Commando, con Arnold Schwarzenegger. Un hombre blanco puede hacerlo todo. Puede derrotar a un ejército entero. Puede salvar a su hija. A menos que haya sufrido una agresión sexual, porque entonces tiene que morir. Hay un montón de locuras de ese tipo. Cuando miras una canción como ‘Kokomo’ desde cierta distancia histórica, tengo esa misma sensación. Se ha vuelto divertida y un poco absurda. Y, siguiendo con esa idea, ahora John Waters es alta cultura. Puedes ver Female Trouble en la Criterion Collection. ¡Y también Pink Flamingos, donde alguien se come una mierda al final! Y eso se considera alta cultura. ¿En qué momento alguien abrió las puertas para que pasara a ser un artista serio? ¿Dónde estaba el umbral que convirtió la basura en un tesoro? Porque a mí me encanta la basura. Soy estadounidense, tío. Me encanta la basura y somos los mejores haciéndola. ¿En qué momento pasó de ser basura a ser algo valioso? Rechazo esa idea de entrada. Cuando empezó a emitirse Jersey Shore, yo ya era fan. No necesité esperar veinte años para reconocer el fenómeno cultural que representaba. Somos estadounidenses. Hacemos basura mejor que nadie en el mundo. Aunque los italianos y los alemanes tampoco se quedan cortos. Hablando de los alemanes, nosotros tomamos parte de nuestra inspiración de la cultura Schlager. Si quisieras, podrías llamarnos el Schlager estadounidense. Si no te quedara más remedio, claro. Pero rechazo la idea de que algo esté por debajo de mi sensibilidad o de que tengas que esperar diez años para que se lo tomen en serio. Los cómics underground son otro ejemplo perfecto. Robert Crumb está considerado ahora un artista serio, mientras que antes su obra se consideraba casi pornografía. Charles Burns, Dan Clowes… Eran cosas que tenías que ir a buscar al fondo de una tienda de cómics. Y el propio medio del cómic, incluso los superhéroes, se consideraba basura. Tenías que rebuscar en el fondo de las tiendas para encontrar a Peter Bagge, Dan Clowes, Charles Burns y toda esa gente. Y de repente pasan diez o veinte años y todo empieza a tomarse en serio. Rechazo completamente esa idea. Me encanta la cultura popular de baja estofa, pero eso no significa que me guste toda”.

Creo que hay una versión en el disco que resume bastante bien toda nuestra conversación, la de ‘We Are The World’. Para mí es una canción terrible, pero tiene algunas interpretaciones fantásticas. Por ejemplo, me encanta la parte que canta Cyndi Lauper en la versión original.
“¡No conseguimos que participara! ¡La llamamos! ¡Lo intentamos!”.

Y si lo piensas, se grabó por una buena causa, pero la coescribió Michael Jackson, que luego fue acusado de abusos sexuales a menores. Es como el resumen perfecto de lo caótico y contradictorio que es el mundo en el que vivimos.
“Todo es una representación. ¿Puedes acusar de actuar a alguien que se dedica precisamente a actuar?”.

No, supongo que no.
“Así que, la causa en sí… Recuerdo que hay unas imágenes en el estudio de Michael Jackson mirando a Huey Lewis, y parece estar pensando: ‘Hijo de puta, ¿sabes por todo lo que he tenido que pasar para llegar hasta aquí? ¿Y ahora vienes tú y te cagas encima de mi hermosa expresión de amor hacia el mundo? ¡Que te jodan, tío!’. Puedes verlo todo en una sola mirada cuando se gira para escuchar la parte de Huey Lewis. Y pienso en el circo que debió de ser aquello, con todas esas personalidades diferentes entrando en el estudio y con todos los motivos distintos por los que estaban allí. Todos esos representantes que se acercaban a sus artistas y les decían: ‘Oye, esto es una estrategia buenísima para ti. Ahora mismo le va a venir genial a tu carrera’. Algunos querían sinceramente ayudar al mundo y otros estaban allí simplemente porque en aquel momento les convenía profesionalmente. Piensa en eso. Y también me niego a tomármelo demasiado en serio. Dejando de lado las acusaciones, fueran las que fueran, me niego a tomármelo todo en serio. Si hicieron algo bueno, los problemas de los que hablaban siguen siendo un puto desastre. Y puede que ayudara, pero, una vez más, no me siento obligado a aceptar ninguna idea de solemnidad ni a tomármelo todo en serio. Y no creo que Jim de Pennywise tampoco lo haga. Se lo propusimos y al día siguiente dijo que sí. Grabó su parte y nos la envió. En realidad fue una idea de John Reis. Fue una de esas ideas que te hacen pensar: ‘Jesús, ¿cómo no se nos ocurrió esto hace diez años?’. Por eso queríamos cerrar el disco precisamente con esa canción, porque tiene algo épico. Era épica y sigue siéndolo. Y la parte de Pennywise la conoce todo el mundo”.

Sí, es una parte perfecta para que todo el mundo cante y una gran manera de cerrar el disco.
“Sí, ¡y con algunas partes habladas de Repo Man! Quizá hagamos un disco de spoken word. A lo mejor cojo mis frases favoritas de películas y las recito sobre música… ¡Quién sabe, tío! ¡El cielo es el límite!”.

Antes de terminar, antes de empezar me estabas enseñando un disco del sello Tamayo Records. ¿De qué se trata?
“Tengo un grupo nuevo. ¿Has oído hablar de Tamayo Records, de Ciudad de Panamá? Toco en una banda formada por músicos de Ciudad de Panamá y un único tipo de San Francisco, que soy yo. Tocamos boleros antiguos con un estilo rock and roll, de los años 50 y 60. No sé si conoces a Los Panchos, pero mucha de la música es de artistas como ellos. El single de siete pulgadas que te he enseñado ya está disponible a través de Tamayo Records e incluye ‘Embrujo’, de Los Tres Diamantes, y la versión de Dalida de ‘Tintarella di luna’. Tamayo Records ya tiene el álbum completo disponible en todas las plataformas de streaming, y la edición física en vinilo saldrá dentro de un mes. No suena realmente como los Gimme Gimmes. Es un concepto parecido, pero esta es música que amo y que me tomo relativamente en serio. Así que quizá la tratamos con un poco más de reverencia que en los Gimmes, pero creo que también hay sentido del humor y cierto misterio. Está en streaming, así que no corres ningún riesgo. Abre Spotify y escúchalo. Creo que te gustará si te gustan Los Panchos y Los Tres Diamantes. Y si no te gustan, ¡que te jodan!”.

JORDI MEYA