Tras publicar Overdrive en abril y realizar varios conciertos de presentación The Mañana Culture, se preparan para volver a la carretera a final de mes. Nos ponemos al día con los burgaleses.
En un salto cualitativo gigante, The Mañana Culture han metamorfoseado su sonido manteniendo la personalidad del proyecto, creando un álbum envolvente y de largo recorrido. Hay discos que con una escucha ya te muestran todo su arsenal, en cambio, con Overdrive (Gato Encerrado Records), en cada escucha descubres un matiz o detalle nuevo, sea en arreglos, efectos de guitarra o variaciones melódicas. Que encima lo puedas escuchar en vinilo aumenta esa sensación de fascinación.
El grupo formado por Samuel Peñas a la guitarra, el cantante Andrew McAffer, el batería Miguel Benito, el bajista Carlos Gutiérrez y el teclista Nacho Cowabunga, son también un gran grupo de directo. Las bases electrónicas a veces predominan más que en el álbum, o varían sónicamente dando un innovador, arriesgado efecto al concierto que el público agradece. Me encuentro con Samuel Peñas, principal compositor musical, para hablar de esta nueva obra. Como extra, Andrew McAffer, un cantante y frontman único, nos da pistas sobre las nuevas canciones que presentarán el 19 de noviembre en Madrid (Sala El perro de la parte de atrás), el 20 en Burgos (La Bolera), el 21 en Benavente (sala Buda) y el 22 en Zaragoza (sala Creedence).
En vuestro nuevo disco habéis pasado del relajamiento de Laurel Canyon a la electricidad más convulsionante y revolucionaria.
SAMUEL PEÑAS “Quizás esa electricidad ya estaba ahí y con Bravado la cuestión fue evitarla un poco, que aflorasen más las capas de ambientes, lapsteel, mellotrones… Tenía reciente un viaje por la Costa Oeste de Estados Unidos. Además era otro momento, pandemia y confinamiento incluido. Surgió más de la calma, aunque también había momentos intensos. Pero eso ya lo hicimos, intentamos mirar siempre hacia delante. Y con la banda configurada y habiendo vivido unos cuantos conciertos, quisimos ‘escucharnos’ a nosotros mismos y ver qué somos en este momento y qué es lo que teníamos que decir. En directo, de manera natural, los temas cogían más fuerza e intensidad. A la hora de plantear nuevas ideas, queríamos retomar más las distorsiones, hasta el fuzz y volver más al riff de guitarra eléctrica. El título de Overdrive salió pronto y fue también una guía a seguir. Quisimos llegar a esos lugares desde sonidos de sintetizadores potentes, casi aportasen un elemento retro-futurista. Y por supuesto, no quedarnos ahí, seguir apostando por ambientes y partes más íntimas y utilizar también los contrastes. La batería y el bajo han dado un paso adelante en el disco, se grabaron a la vez para captar aún más dinamismo. Nos gusta plantearnos retos, en este uno de ellos era profundizar en el uso de la distorsión y el fuzz, en cuanto a la sonoridad”.
Sé que eres de las personas que no sólo les influye la música para crear música.
“Todo en la vida en realidad te va influenciando en mayor o menor medida y siempre estamos rodeados de libros, cómics, películas, series, cuadros… Además de por mucha música y todo lo que la rodea, claro. No sé si luego se reflejará mucho o en qué medida, pero en libros cosas de Alan Moore, Thomas Pynchon, Agustín Fernández Mallo, Jodorowsky… Directores como Nolan, NicolasWindinRefn, David Lynch… Series como True Detective, Cowboy Bebop… suelen salir cuando hablamos de sensaciones, estéticas…Por poner algún ejemplo concreto, el primer tema del disco queríamos que fuese contundente, enérgico, una declaración de intenciones. Estábamos dando vueltas a la imagen de un león de siesta, que parece inofensivo, pero siempre es un animal salvaje. Si le miras a los ojos, lo notas. Se mueve poco, pero cuando lo hace, cuidado. Vinieron referencias como A Deeperkind Of Slumber de Tiamat y títulos tan extravagantes como ‘Un segundo antes del despertar de un sueño provocado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada’ de Dalí. Nosotros queríamos referirnos al momento de después de despertar, la vuelta a la acción y justo apareció el poema de Percy Bysshe Shelley ‘The Mask of Anarchy’ de 1819 que dice lo siguiente: ‘Rise like Lions after slumber, In unvanquishable number, Shake your chains to earth like dew, Which in sleephad fallen onyou —Ye are many — they are few'».
«En este disco intentamos coger elementos característicos del rock y después deconstruirlos un poco” SAMUEL PEÑAS
Siempre que hemos hablado, tus tatuajes son por algo, y suelen estar conectados a cosas musicales.
“Bueno, tampoco tengo demasiados. Todo es relativo y la verdad es que conozco a bastante gente bien metida en esa cultura y ellos lo llevan más al extremo. Pero sí que es verdad que alguno suele coincidir con el momento en el que tenemos algún trabajo nuevo. En esta ocasión estábamos un poco metidos en temas algo ocultistas, herméticos, simbólicos, etc.… Y con el concepto de ‘As Above, So Below’, lo que es arriba es abajo, el macro y el microcosmos… Coincidiendo con un viaje a Londres, se dieron algunas casualidades y cambios de planes y pude ir con un tatuador que seguía desde hace años, Maic. Aunque con alguna otra idea, al final descubrí que la ilustradora de la baraja del Tarot Rider-Waite-Smith era justo londinense y la carta del mago refleja ese concepto de ‘As Above So Below’, entre muchos otros. Sentía que era un nuevo comienzo en algunos aspectos, tanto de la banda como personales. El más ‘musical’ aunque también tiene otros significados, es un diseño que solía utilizar el grupo Paradise Lost. Otros tienen elementos de artistas, sitios o cosas que me gustan. El espacio, el Sumo, Dalí…».
Me encanta la sentencia no es sólo rock and roll que se repite en el primer tema, porque ofrecéis algo más. Muchas veces te he escuchado decir si esto es rock and roll vaya basura… te has implicado expresándote claramente, sin miedo a consecuencias.
“La cosa es que el ‘Rock’ así como nomenclatura, es algo muy difícil de explicar. Engloba un montón de cosas y a veces son positivas y otras no tanto. A veces llega a asemejarse al concepto religioso. Nosotros nos denominamos así porque es lo más fácil, aunque luego puede haber cosas completamente diferentes que caben ahí. El tema etiquetas y clichés sobre todo, es algo que en realidad no nos va. Sin embargo sí que reflexionamos sobre ello. Y luego el tema eterno de la muerte del rock, de su vuelta otra vez… Y claro, eso es lo que se aprovecha para venderte otra vez a los nuevos salvadores del rock, que a veces se les ve el truco desde lejos. El tema ‘Fake Leather’ empezó un poco sobre este tema. También alguno más, que finalmente no entró en este disco, pero que seguiremos avanzando para el futuro. La cosa salió pensando en la frase ‘It´s only rock and roll, but I like It’. Para nosotros la música no es solo un divertimento, es algo mucho más profundo, pero entendemos ese concepto de llevarlo a que sea un modo de vida. En este disco intentamos coger elementos característicos del rock y después deconstruirlos un poco”.
Es obvio que The Mañana Culture ofrece más que rock and roll, y en directo, gracias en parte a Andrew, hay casi un concepto de trance, chamánico.
«Nos encanta poder llegar a esos momentos, aunque no siempre es fácil. En realidad es un poco el objetivo, llegar a ese ‘trance’ común, primero entre la banda y también con el público. Tiene que apoyar el sonido, la iluminación, la gente… Mirar a Andrew siempre es un buen indicador de cómo va el concierto. Si está a gusto y metido de lleno, y le ves en el suelo o entre el público, es buena señal. Se producen momentos intensos en los que pasan cosas especiales. Nunca se sabe, no llevamos secuencias ni nada grabado. Lo bueno es poder dejarse llevar en algunos momentos. A veces algunos finales se alargan o incluso el orden previsto de las canciones sufre modificaciones. Si lo estamos sintiendo todos y estamos dentro de esa sensación, pueden pasar cosas muy especiales”.
Hablemos de todas las versiones que habéis interpretado. Desde Billie Eilish hasta Depeche Mode, Temple of the Dog o Mark Lanegan. ¿Por qué esas canciones, qué os transmitían y qué les habéis dado para cambiarlas? Porque no son miméticas vuestras relecturas.
“Nos gusta muchísimo la música, en un montón de formas y expresiones. Tocar y reinterpretar canciones de muchos géneros. Se aprende de verdad y además lo disfrutamos. Solemos tocar con otras formaciones y lo cierto es que estamos bastante acostumbrados a sacarnos y aprender repertorios diferentes. Para The Mañana Culture, intentamos incorporar versiones distintas al menos en cada tanda de conciertos. Por nosotros y por ofrecer algo diferente y único a quien viene a vernos, sobre todo a los que repiten. Además de las que comentas, hemos hecho también de The Doors, The Zutons, Pearl Jam… Intentamos ver en ellas algo que pueda encajar con nosotros y en su interpretación algo que suene un poco más a nosotros y meterlas en momentos clave de los directos. Hicimos un par de conciertos-homenaje por el treinta aniversario del VS de Pearl Jam, tocando el disco al completo y algunas canciones más míticas del grupo. Y por el 27 de aniversario de un bar musical amigo de la banda, hicimos un especial con músicos del Club 27. Hendrix, Joplin, Nirvana, Amy Winehouse…”.
«Si no nos importase o sintiésemos que tenemos algo especial, no merecería la pena” SAMUEL PEÑAS
Os han ofrecido hacer más conciertos homenaje a Pearl Jam y os habéis negado. Coméntame un poco cómo surgió todo eso, y ser honesto con vosotros mismos creando vuestra propia música. Lo fácil hubiera sido pillar la pasta y olvidaros de ser creativos.
“Hicimos un par de conciertos homenaje y estuvieron genial. Lo organizó la gente de Estúpida Fregona y colaboró algún músico más también. En Madrid tocamos en la sala donde tocaron por primera vez y se llenó. En Burgos también se llenó… Siempre nos ha gustado mucho Pearl Jam, desde los noventa. Lo que no hemos querido luego es seguir explotando demasiado esta vía. Otra gente nos ofrecía más conciertos luego haciendo eso que con la propuesta de la banda. Y esas cosas son mucha más garantía de público. Pero no hicimos el grupo para eso. Queremos seguir haciendo nuestra música y aún tenemos cosas que decir. Eso no quita que hagamos alguna cosa más en el futuro de manera puntual. Se aprende muchísimo y se disfruta aún más”.
Qué crees que tú y los demás miembros de la banda habéis ganado en proyectos previos que os haya ayudado para The Mañana Culture.
“Hacernos lo que somos al final. Todos llevamos casi treinta años dedicando nuestra vida a la música. El dedicarse a esto en diferentes vertientes… sonido, producción, DJ, músicos… y participar desde hace años en muchísimos bolos al año de todo tipo te hace tener una visión más global. Se van sumando muchas capas, también oficio. Te hace entender la relación entre arte y artesanía, puedes profundizar mucho en algo cuando le has dedicado muchas más de diez mil horas. Nos ha hecho llegar a este momento y que nos apeteciese hacer esto. No somos unos críos y cuesta mucho trabajo y sacrificios llevar adelante una banda, especialmente underground, con lo que hace que todo tenga mucho más valor. Si no nos importase o sintiésemos que tenemos algo especial, no merecería la pena”.
Aparte de The Mañana Culture, está tu faceta de DJ. ¿Hay algo de Petite Mort en The Mañana Culture?
“Es una capa más de una vida dedicada a la música. Recuerdo la primera vez que lo hice. Estaba en un bar al que solía ir y justo se tuvo que ir el que estaba poniendo música y el encargado me dijo que me animase. Allí mismo me di cuenta del poder que había y lo que me gustaba en seleccionar la música que escuchaba la gente que allí había, incluso en cómo influir en la energía y el estado de ánimo. Me aporta el estar atento a las nuevas músicas que van saliendo, tendencias, técnicas de producción… Además me ha llevado a salas y festivales, eventos deportivos, de videojuegos… Un montón de sitios en los que he podido conocer a mucha gente también metida en la música, desde diferentes ángulos. No sé si queda demasiado de eso en The Mañana Culture, pero algo seguro que sí. La apertura de mente, configurar un repertorio de un concierto siguiendo intensidades… Algunas estructuras de canciones han sido configuradas un poco más como en la música electrónica que en el pop, por ejemplo”.
La edición en vinilo en sí es bastante particular, con las fotos, el diseño….
“Nos gusta el formato físico de los discos, es como la última parte de la propuesta. Es un envoltorio, pero es algo más. Es imposible no asociar determinados discos a su portada. Con los nuestros pasa lo mismo, como que acaban de definir todo. Y con el vinilo hay más oportunidades de completar: las letras, algún diseño más… Óscar Ortega se ha encargado en este disco y del anterior. En este predomina el color negro y el blanco, con el vinilo transparente. El grafismo de las letras está inspirado en los textos de los circuitos integrados, en los que a veces se encuentran incluso mensajes ocultos. Para la fotografía del inserto, David Palacín hizo un collage con cientos de fotografías de cada uno, diseccionadas y vueltas a colocar después, de manera que el inconsciente tomase protagonismo. En algunas copias nos gusta meter algún regalito sorpresa, como fragmentos de esas sesiones de fotos y de otras, alguna pegatina…».
Hay parte de concepto en el disco, sonidos que se repiten… No es un disco conceptual a nivel lírico, pero guarda una especie de coherencia sonora. Los temas fluyen… y eso es complejo y más cuando divides el disco por ser vinilo.
“Nos encanta el concepto de disco. Con eso nos hemos criado y con ello seguimos. Se puede ofrecer una propuesta más completa y con muchos más matices. La portada, el reflejar un momento, el tener varios puntos de vista sobre un sonido. Lo podemos comparar más a una película, con una canción podrías mostrar un cortometraje. Hay discos que han sido muy importantes en nuestra vida y en nuestro desarrollo musical. Las canciones van saliendo de manera autónoma, pero de esta manera se tiene en cuenta algo más global. Hay cosas que puedes incluir u obviar en una canción debido a las que la acompañan. Nos gustaba empezar con una intro, aunque sea poco recomendado en estos tiempos de streaming y de hooks rápidos, para evitar que se pase rápido. Un poco como declaración de intenciones. Se creó un ambiente interesante en esta intro que recuperamos en el último tema del disco, aunque adaptado y así apareció esa sensación circular”.
Como buen prescriptor, recomiéndame tres grupos actuales que crees que no se les está haciendo caso y realizan cosas importantes.
“Siempre es difícil esto, seguro que en otro momento van otros tres… Y lo del caso es bastante relativo. Pero bueno, allá van tres que al menos en España quizá no se les haga demasiado caso. Puscifer. Proyecto en el que está el cantante de Tool. Suenan muy bien, combinan elementos electrónicos con guitarras y ambientes oscuros. Ida Mae. Dúo británico con tres discos. El primero lo produjo Ethan Johns y tienen temas y sonoridades interesantes. Johnny Blue Skies. Es Sturgill Simpson. Dijo que solo iba a sacar un número limitado de discos con su nombre y cumplió, ahora ha pasado al otro. Su música no está en las típicas plataformas digitales y aún así el último vinilo estuvo en las listas de ventas en Estados Unidos. Mezcla Country y música americana con algunas cosas más disco y bailables últimamente”.
Para entender mejor Ovedrive, le pedimos a Andrew McAffe que nos explicase las inspiraciones para cada canción. De 2001: Una odisea del espacio a David Lynch pasando por Mark Lanegan.
‘Rise, like Lions after slumber’
ANDREW MCAFFE “Nació como nuestra declaración de principios y está inspirada en el poema de Shelley ‘La máscara de la anarquía’ y su espíritu de resistencia. En la parte del piano inquietante la imaginación me llevó al universo Lynch y la tensión de Fire Walk With Me. Al final de la canción pude usar nuestro leitmotiv ‘Not only rock’n’roll’ y el título del disco Overdrive para rematar la idea de nuestro credo”.
‘Rekall Inc.’
“’Burnout’ describe a la perfección la letra de esta canción y el deseo de borrar de la memoria los malos momentos, por eso usamos el nombre de la compañía que inserta memorias en la película y novela Total Recall. Inspirada también en la sensación que transmitía la película Eternal sunshine of the spotless mind y el cuento de Melville ‘Bartleby, el escribiente’. La frase final Anything… es una plegaria a que haya un cambio”.
‘Fake Leather’
“Está inspirada en la novela Menos que cero de Easton Ellis y en la literatura de Houellebecq. Desconexión emocional, vacío existencial, descenso sin rumbo en el mundo de la noche y sus vicios. La falsedad·.
‘Costa Quebrada’
“Inspirada en el principio de la serie Dark y en el libro de Mark Lanegan El diablo en coma retrata a un hombre borracho en un pueblo costero lluvioso y su poca habilidad con las manos”.
‘Silver Factory’
“El principio de la canción me llevaba siempre a recordar a deidades de esas películas mitológicas que vi de chaval. Recabando información acabé topando con Warhol y su séquito y una sede que tenia que se llamaba Silver Factory. De ahí vi el intento de artistas de ser reconocidos y que aun rodeado de ‘deidades’ no les garantizaba el éxito o reconocimiento pero eso no quería decir que su arte no tuviese valor. Lynch salió vapuleado y ninguneado por Dune y de allí salió Blue Velvet”.
‘As Above, So Below’
“El título remite a la tradición hermética y a la idea de que lo de arriba tiene su reflejo abajo. A partir de ahí, la letra mezcla imágenes cósmicas, personajes ambiguos y juegos de palabras, como ese ‘Fearsome angels, fearsome below’, que cambia el sentido de la frase al escucharla. Es la sensación de estar perdido en medio de todo, sin acabar de entender muy bien qué pasa”.
‘Burning Eye’
«Al escuchar los primeros acordes de la guitarra de Samuel me trasladé a ese desierto por donde camina el personaje de Paris, Texas. A Tony Soprano en el desierto de Las Vegas gritando al sol ‘Lo entiendo’. Es el lamento de una vida desperdiciada, de alguien que siguió las normas y no se le dio nada a cambio pero finalmente comprende”.
‘Swamp’
“Es mi amor al cine negro de sudor, sexo y muerte. Fuego en el cuerpo y Angel Heart. Pantanos del sur de Estados Unidos. Amantes a quienes les devora el deseo y los celos y que no puede acabar bien. La inspiración para la melodía y la letra de la estrofa me vino escuchando a Chet Baker’My buddy’”.
‘Space Pilgrim’
“Los sonidos de esa canción me llevaron directo al espacio. Veía 2001, veía Moon. Después llego la lectura de El astronauta de Bohemia y rematé la letra y tuve el alma de la canción. ¿Cuánto estas dispuesto a sacrificar para llegar a la posteridad? ¿Vale la pena?”.
‘Universe 25’
“El estudio científico con ratas para observar el hacinamiento y la sobrepoblación en la sociedad para dar titulo a esta canción que explora el hartazgo de una persona y su decisión de romper con todo y buscar su camino. Esta la idea de Huxley en su libro Las puertas de la percepción y el desierto se vuelve a asomar para conseguir ser libre”.
IGNACIO REYO
